油絵
絵画への理解にはまず油絵の実践が必要です。混色・技法・道具の使い方などの技術から、構図や作品の意図に対しての適切な表現方法などを学びます。過去の美術作品や美術史上の文脈から絵画を紐解いていくと、現代まで絵画表現が継続されていくメカニズムが読み取れます。絵画の価値の性質には顔料(絵具)を［溶かす］性質、つまり工芸やデジタル作品とは違う、化学的で現象的な性質があります。とくに多種多様な溶剤を使い分ける油絵の具ではその性質が顕著です。絵具の化学的な変化は、ポロックのようにペンキなどの溶解が可能な塗料でも、アクリル絵具でも同様のことが言えます。溶解するかどうかが、フレキシブルに材料を動かせるかどうかの永らく続いた絵画の歴史から伺えます。これら［溶かす］流動性のテクスチャーに加え、絵画の場合、絵具の盛り上げなどのテクスチャー(マチエール)も多ぶんに価値となっています。ベッタリとした立体的な流動性とナイフなどによる半立体的な試みは、絵画は二次元でありながら彫刻のように立体的な性質を持つことが制作中にも実感できます。またこれらの物理的で化学的な現象的実践のなかに立体的な三次元を孕むだけではなく、絵画の性質の最後に［時間的な空間］があります。これは［アトリエ的価値＝作家の現場的なリアリティ］であり、出来上がった作品を鑑賞する段階で想起されます。この作品制作の生成段階＝プロセスは、作家の人生など永続的な時間をも含み、三次元での物理的な絵画作品の見えざる背景を鑑賞者が探求できる価値を兼ね備えています。ｗork in ｐrogress―途上段階であるアトリエ(スタジオ)にはそれだけでアートの本質的で時間的な性質があります。SNS以降の、タイムライン上での瞬間的な出来事とはコントラストを生むかたちで、絵画は着想から発生の瞬間―制作のスタートからフィニッシュまでの期間―鑑賞まで、非常に［永い］時間を有しています。