​INSPIRATION

インスピレーション

そもそもどうやって美術作品をつくことができるか。あなたは「何」から作品制作をしようと動機づけられたのか。作品制作のインスピレーションを生む要因は、哲学、科学、物理学、社会学、民俗学、宗教、ナショナリティ、人間関係、精神​、経験などである。これらは既に創られた文化資源とは異なり、材料として横たわっている現象の学問であり、現象そのものである。作品制作の動機となった出来事がどの分野に属していて、なぜその出来事を注視したのかを美術以外の学問を通して研究、把握していく。このフィールドワークは、作品の発生源としての重要な裏付けとなり、作者が作品を語る上でも重要な要素や手がかりとなる。


 

SOCIETY​

アートの社会との接続について​

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アート以前に社会が存在する. 政治が暮らしのためにあるように, まずは個人の生活がある. 生活とは社会の本質であり, 生活とは個人の観点である. 観点には社会的ジャンルとしての領域とアートの思想的な領域とがある. ［哲学, 社会学, 地政学, 宗教, 科学, 物理学, 数学, 精神, 関係性, 政治, 戦争, 民族など］他の領域を動機やインスピレーションとしつつ関係性を持っている.  

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PAINTING

絵画について

絵画は大きく二つに分けて抽象と具象の概念が存在する。絵画においての抽象は、具体的で即物的な表象から切り離される特徴がある。ここでは「絵画に限って」と強調しておく。もしも絵画でない場合は、そもそも矩形かつ携帯可能な、絵の具のような流動性の伴う材料を駆使する絵画の概念が適用されないからだ。だからここでは文学や哲学においての非物質的な抽象とは区別する。
絵画においての抽象とは［１］まずは絵の具の物質そのものの潜在能力である。これに加えて矩形が示す範囲において、構図、面積、空間認識が考慮される。また空間ではなく物理的で化学的な現象として、多種多様な絵画技法のみで抽象画が成立する。また抽象絵画は具象絵画との対比構造において成立する概念のことから［２］「抽象化」という具体的で即物的な事象から、形態のみを抽出して変形させる考えを生み出す。キュビスムのように、大きな変化を加えることによってその具体的な事象そのものをデフォルメさせるのだが、これは元に、対象となる物理的対象が存在するパターンの抽象である。（《アヴィニヨンの娘たち》パブロ・ピカソなど）［３］次に、対象となる物理的存在が存在しないとなると、言語でいう抽象と同様となる。イメージはするが具体的なイメージが定まっていない語（社会、湿度、風景、平和など）を絵画で表象化させようとすることは、目の前に存在するデュラレックス社のコップを描くこととは異なり、完全なる抽象となる。（マレーヴィチ「シュプレマティスム」より）以上がこれまでの美術史における抽象画のパターンである。
絵画においての具象は、19世紀までの抽象画が存在しなかった時代からは存在し得ない語であり、20世紀以降に抽象絵画、抽象的概念と区別するための語として発生した。スーパーリアリズムのように「こういったこと」では誤魔化せない、ありのままの事象への表象化は、具象と特筆する上では欠かせない表象の姿勢である。近世までの絵画では、具体的であっても宮廷絵画や風景画、風俗画ではプロパガンダや宗教神話によって「本質的に抽象化された具象画」になる。それは現代の視座によってドキュメンタリーではないと解明された、抽象が内在された具象画であり、真実か否かは史学的配慮が必要とされるため、ファクトチェックが可能な現代においての具象画とは一線を画する。ジェリコー《メデューズ号の筏》やクールベの裸体表現であっても、作者個人の思想と切り離すことはできない。この報道写真と同様の正確な事実性は、近代以降の美術史においても重要視されることなく、むしろ事実を材料に、脚色や強調、デフォルメなどを施すことで芸術を担保してきた。すなわち具象画といっても、即物的に写し取ることを芸術の世界では求められることはなく、芸術の在り処は抽象の概念をもって成立するとも言える。



ART HISTORY・ART CONTEXT

美術史・アートコンテクスト（文脈）について

美術史とは、単に時系列での暗記の必要性ではなく、各出来事と出来事の文脈の把握の必要性である。よく勘違いされてしまうことが、ある作家のある作品について好きか嫌いか、その作品が凄いかどうか、である。これには鑑賞者各々の好みの判断が全く無いわけではないが、美術を大まかに把握する大前提としては不必要な観点である。この鑑賞者個人での好みに一見委ねられてしまっている今の日本の現状では、ピカソの一切の功績を読み取ることはできないし、ダダイズムのように前衛を定義させた大きな運動や、印象派や表現主義が前時代の古臭い手法や凝り固まった制作手法の価値観を打破したスキャンダルであった事実、表現における材料そのものを見直してきたメディアアートの痕跡がある故に現代の新しい手法の連続が可能なことなど、美術の価値は大変革を起こすこととされてきたことに目を背けていることになる。もちろん美術ではなく「制作」とか「つくること」のようなセラピーや情操教育としてのアートや「水彩画」や「細密画」「工作」などのジャンルであれば、美術史を学ぶ必要はない。しかし学問として突き詰めれば広義の「つくる」も「技術の鍛錬」も「たのしいから」だけでなく美術史上のある座標や流れにとっては必要不可欠な連動であることを意識していくことになる。つまり美術史とは、デザインとの連動がひとつの側面としてあるということだ。アーツ・アンド・クラフツ運動を経て、コルビュジエらがモダニズムを提唱した20世紀初頭から半ばにかけて、美術家のモンドリアンらデ・ステイルのメンバーは建築家リートフェルトらと共に、建築やデザインと美術とが完全に調和できることに気が付いた。ダダイズムに関しても、キャバレー・ボルテールでは無作為に表現の媒体を探っていった結果、音楽や物理的な出来事、文学も併せて、美術の歓迎する「外の領域」を包括していくことが「アートとは何か」の答えのようだと悟った。今日、これらの美術史の文脈上の観点を踏まえて、新たに美術やデザインに関わる者がどのような立場や意見をもつかが、両者の世界では重要とされている。まずは古代から現代まで他の分野と同様に「どのような世界か」を学習していくことが美術の基礎となる。​